Dicas de comportamento na Dança

PARA DENTRO E FORA DOS PALCOS:Uma apresentação de dança é um evento que exige muito esforço dos bailarinos e muito trabalho por parte dos
organizadores. Na maioria das vezes, é a única chance de se mostrar o trabalho que foi feito durante no mínimo três
ou quatro meses, e por isso, quando imprevistos acontecem são motivo de grande frustração e tristeza.
Para evitar esses imprevistos, recomendamos a leitura do texto abaixo, para bailarinos e espectadores, se portando
da melhor maneira, aproveitando o espetáculo e cooperando para que tudo corra bem: Uma apresentação de dança é um evento que exige muito esforço dos bailarinos e muito trabalho por parte dos
organizadores. Na maioria das vezes, é a única chance de se mostrar o trabalho que foi feito durante no mínimo três
ou quatro meses, e por isso, quando imprevistos acontecem são motivo de grande frustração e tristeza.
Para evitar esses imprevistos, recomendamos a leitura do texto abaixo, para bailarinos e espectadores, se portando
da melhor maneira, aproveitando o espetáculo e cooperando para que tudo corra bem:
Aos espectadores:
* Flashes de máquinas de retrato desconcentram e cegam os bailarinos durante as danças.
(Antes de tirar fotos, certifique-se de que é permitido e evite usar o flash).
* Movimentos na platéia durante a apresentação da dança também desconcentram o bailarino.
(Entre ou saia do teatro no intervalo entre as danças, e não no meio delas.
Além de poder desconcentrar quem está dançando,
você também atrapalha quem está assistindo).
* Evite conversar durante as apresentações.
* O telefone celular não deve ser usado em ambientes como cinemas e teatros.
( Se você precisa receber alguma ligação urgente, deixe o celular no vibracall ou no "um bip",
e saia do recinto no intervalo da dança para atender a ligação).
* No final de toda dança, existe a reverance, que é um movimento que os bailarinos fazem sem música. Nesse momento, eles estão agradecendo sua presença, portanto
é educado não se levantar e ir saindo como se tudo já tivesse acabado.
* Aplausos são uma ótima maneira de agradar quem dança.
(Mesmo que você não tenha gostado da dança, lembre-se que as pessoas se esforçaram muito para chegar lá no palco, e podem se sentir motivadas a melhorar cada vez mais.
Se você gostou muito de uma apresentação, basta aplaudir,
nunca grite o nome dos bailarinos, no máximo, pode-se dizer "Bravo!!!").
* Caso algo de ruim tenha acontecido durante a apresentação,
seja muito cuidadoso se for comentar logo depois.
(Provavelmente os bailarinos vão estar tristes e frustrados por isso,
mesmo que não aparentem. Críticas construtivas, por sua vez,
são muito bem vindas depois que os "traumas" já tiverem passado).
Aos bailarinos em sala de aula:
* O ballet é exaustivo e toma muito tempo, mas também é excitante e criativo,
e muitos bailarinos tornam-se totalmente dedicados à sua profissão.
É um mundo muito particular. Como disse Errol Pickford, estudante da Royal Ballet School:
"Uma vez que se decide fazer dança com seriedade, tem-se que trabalhar arduamente
o tempo todo, mesmo nas férias".
* Você sabia? Quando era menina, Margot Fonteyn viu, certo dia,
um cartaz em que havia uma bailarina e perguntou à sua mãe que era ela.
"É a Pavlova, a maior bailarina do mundo". "Então eu serei a segunda maior".
Todas as pessoas que se dedicam à dança necessitam dessa confiança,
embora nem todas possam chegar a ser uma primeira bailarina absoluta.
Entretanto, embora possam ter consciência de que nunca ascenderão ao topo,
muitas sentem ter realizado, através da dança, a maior ambição de suas vidas.
* Nunca faça uma aula de ballet de cabelos soltos, ou presos como "rabo-de-cavalo".
Não é apropriado, além de atrapalhar no desempenho. O aconselhável é fazer um coque.
* Tente não se atrasar para chegar a aula. Além de tirar a concentração das outras alunas,
pode não ser bom para você também, pois perderá os exercícios de
aquecimento que são muito importantes.
* Dê-se um breve momento de descontração e situe-se num estado de espírito adequado,
antes de começar as aulas. Fazendo isso por si mesmo,
você estará se ajudando a sentir mais confiança e segurança pessoal.
* Não entre no meio da aula sem pedir licença, uma bailarina precisa ser disciplinada, até mesmo porque precisa saber como se portar eventualmente quando for fazer cursos com outros professores.
* Uma vez iniciadas as aulas, ouça cuidadosa e atentamente, e procure memorizar o que lhe está sendo solicitado que faça. No início, é possível que você ache isso difícil, pois muitos movimentos que parecem simples precisam ser repetidos muitas vezes até serem executados com perfeição.
* Tente sempre ir além do que você conseguiu na aula anterior, e mesmo que você não consiga ir além nesta aula vá tentando, mas nunca desista porque um dia você chega lá. É tentando que se consegue...
* Não seja tentado a conversar com seu vizinho, pois além de não estar ouvindo as instruções de seu professor, também estará perturbando a concentração dos outros alunos, e preste muita atenção quando seus colegas tirarem dúvidas, pois poderão ser as suas também.
* O professor corrigirá seus movimentos de tempos em tempos. Procure entender onde você está errando e empenhe-se em fazê-los corretamente. Preste atenção às correções dos outros alunos;
elas podem aplicar-se também ao seu caso.
* Procure não faltar a aula.
* Embora requeira um tremendo esforço, a aula de balé também deve ser divertida.
Se for interessante, a música de acompanhamento pode aumentar consideravelmente
o prazer das aulas de balé. Ouça a música, pois ela afetará o modo como você se expressa
nos movimentos. Afinal de contas, a dança é uma arte.
* Um pequeno desconforto é normal numa aula de balé, mas não se submeta a um esforço exagerado, visto que, por mais que a aula seja dada com cuidado, acidentes sempre podem acontecer. Se você sentir alguma dor, informe seu professor imediatamente e proceda de acordo com suas instruções.
* Trabalhar de maneira disciplinada não só ajudará você a conseguir muitos progressos na dança,
mas também servirá de apoio em outras áreas de estudo, preparando-o, de um modo geral,
para a vida no futuro.
Nos Palcos:
* Sempre, em qualquer dança, se alongue antes de entrar no palco.
Mesmo se você não tiver que executar passos onde tenha que "abrir a perna"
é sempre bom pois dá um melhor desempenho. Se você pular muito durante a dança,
faça exercícios que alonguem a panturrilha. Isso é muito importante.
Mas não vá querer ultrapassar seus limites, pois isso pode dar no fim alguma lesão ou dor séria,
que vai impedi-la de dançar!
* Nunca ensaie ou faça alongamento com o tutu ou roupa que vai dançar. Eles podem sujar ou até mesmo rasgar! Se der, vá ao local da apresentação com um colant por baixo da roupa, para quando chegar, poder se alongar à vontade. Comece de meia ponta, e depois vá para a ponta, se for preciso.
* Calma! É comum ficar nervosa, com um friozinho na barriga,
mas procure não mostrar seu nervosismo para suas colegas.
Elas também ficam nervosas e podem fazer acontecer algo ruim. Além do mais,
em todas as apresentações de ballet e teatro, os artistas têm essa sensação,
mas ao entrar no palco, tudo desaparece.... Mas se você acha que não vai desaparecer,
pense em todos os ensaios, pense que aquele é só mais um, pense que está deslizando despreocupada em seu quarto, e pense que, se você errar uma pequena coisinha, como que lado virar,
ninguém vai reparar, afinal eles não conhecem a coreografia.
Mas pense principalmente em DANÇAR, dar o melhor de si, esticar bem o pé,
sorrir e ficar en dehors, pois pode ter muita gente que entende de ballet na platéia... enfim dance!
* Lembre-se que, enquanto você não está dançando, outras pessoas podem estar.
Por isso, evite fazer barulho, ficar na passagem dos bailarinos em volta do palco ou mesmo,
no caso de um teatro, ficar abrindo e fechando as portas dos camarins,
de modo que a luz desses reflita no palco.
* Não esqueça de sorrir. Mostre que você está dançando por prazer, que dançando você se sente feliz. Uma bailarina séria tira toda a graça e suavidade da dança.
* Antes de arrumar a sua bolsa, faça uma lista para não esquecer nenhum acessório.
Comece pelos ítens mais importantes, como a sapatilha, o próprio figurino,
os acessórios para cada dança, desodorante, etc.
Assim, você corre menos risco de esquecer algo importante.
* Sempre tenha em sua bolsa: um estojo com linha, tesoura e agulha, veja se suas meias não tem fios puxados e se suas sapatilhas estão com as fitas e elásticos bem presos. Leve uma meia de reserva.
* A vida do bailarino profissional e até mesmo do estudante exige considerável
dose de auto disciplina, pois é importante que aprenda, desde cedo, a ser independente.
Por exemplo, você deve procurar cuidar pessoalmente de suas roupas de treino diário
e assegurar-se de que estão limpas e em bom estado de conservação.
* Para a maquiagem, é bom ter sempre uma rede de reserva, escova,
muitos grampos e gel, caso seu coque ou outro penteado soltar antes de entrar no palco.
Se você tiver feito a maquiagem em casa, leve sempre de reserva o que você usou para fazê-la.
Não deixe para pedir nada emprestado na hora de dançar.
Uma vez ou outra não tem problema, mas uma pessoa que só usa as coisas emprestadas
pode se tornar desagradável.
* Nunca se esqueça de conferir sua roupa, sapatilha e cabelo antes de entrar no palco.
Um cabelo solto, sapatilha desamarrada ou uma bailarina arrumando a roupa toda hora
fazem com que as pessoas passem a prestar atenção no que está errado,
em vez de apreciarem a dança.
Se sua dança tem adereços, fique atento para que eles não caiam no palco,
pois além de desviarem a atenção, podem provocar a queda de um bailarino,
o que seria ainda pior.
* Uma boa bailarina nunca dança com brincos, anéis, colares e esmaltes escuros,
a não ser que esses acessórios façam parte da fantasia.

* Chegue ao local da apresentação com antecedência, para conferir se está tudo OK,
para se aquecer antes da dança e para ajudar nos últimos preparativos.
Mesmo se a sua dança for uma das últimas do espetáculo,
um atraso pode deixar suas colegas ansiosas, além disso,
uma pessoa entrando no teatro no meio da apresentação também desvia as atenções.
Pense em si mesmo: e se acontecem imprevistos na ida para o teatro? Se um pneu fura?
Um congestionamento? É melhor prevenir do que remediar.
* A reverance é o momento no qual o bailarino agradece os aplausos e a presença do público.
Por isso, não fale durante ela e nem saia gritando do palco.
Além de soar mal, atrapalha os bailarinos que
estão se preparando para dançar depois de você.

Danças Africanas

Desde a pré-historia:

A tradição é a força cultural dos povos africanos em plena festa de ritmos, transmissão da cultura dos antepassados e o retrato do dia-a-dia nas aldeias africanas e não só…A dança como força de expressão dos rituais, era chamada em todas as ocasiões, como ponto de partida para qualquer cerimônia.

A origem e importância da dança africana

A dança originou-se na África como parte essência da vida nas aldeias. ela acentua a unidade entre seus membros, por isso é quase sempre uma atividade grupal. Em sua maioria, todos os homens, mulheres e crianças participam da dança, batem palmas ou formam circulos em volta dos bailarinos. Em ocasiões importantes, danças de rituais podem ser realizadas por bailarinos profissionais. Todos os acontecimentos da vida africana são comemorados com dança, nascimento, mortem plantio ou colheita; ela é a parte mais importante das festas realizadas para agradecer aos deuses uma colheita farta. As danças africanas variam muito de região para região, mais a maioria delas tem certas características em comum. Os participantes geralmente dançam em filas ou em círculos, raramente dançam a sós ou em par. As danças chegam a apresentar algumas vezes até seis ritmos ao mesmo tempo e seus dançarinos podem usar máscaras ou enfeitar o corpo com tinta para tornar seus movimentos mais expressivos. As danças em Marrocos usam normalmente uma repetição e um constante crescimento da música e de movimentos, criando um efeito hipnótico no dançarino e no espectador. Entre elas destacam-se a Ahouach, Guedra,
Gnawa e Schikatt.

As influências

Sabe-se que desde a invasão dos colonizadores, a partir do século XIV e XV em África, tudo sofreu alterações desde os nomes usados até à própria civilização isto devido à permanência dos colonos desde essa data até aos nossos dias, com a entrada de outras culturas.

Agora aqui sublinho no que toca a dança que houve uma fusão entre os nossos ritmos tradicionais com a forma de dançar a par importada da sociedade européia, em que este tipo de dança era praticada nas cortes, nos salões nobres e da burguesia como por exemplo na contradança, valsa, mazurca, polca…, levadas não só pelos senhores como pelos seus criados e até por alguns escravos.

Ritmos

Ao ritmo do Semba, Funaná, Kuduro, Sakiss, Puita, Marrabenta, e outros sons da música folclórica, são dançadas em pequenas coreografias, trabalhando assim os movimentos da anca, o rebolar da bunda , e a facilidade de juntar a agilidade dos braços, pernas e cabeça, num só movimento culminando num trabalho de ritmo corporal.

Capoeira

A Capoeira é uma luta disfarçada em dança, criada pelos escravos trazidos da África nos navios negreiros para o Brasil.
Dentro das Senzalas após a mistura das culturas das diversas tribos africanas que aqui se encontraram, foi-se ao poucos somando o Ngolo que era um jogo de luta praticado nas tribos africanas, o qual o vencedor escolheria uma mulher da tribo a qual seria sua esposa; a ânsia de liberdade dos escravos que sofriam presos nas senzalas, trabalhando o dia todo ou apanhando e resultando na primeira forma de defesa dos escravos contra as maldades que sofriam o qual começaram a ocorrer as primeiras fugas dos negros e a fundação dos Quilombos.
Na época da escravidão toda cultura negra era reprimida, principalmente se tivesse uma conotação de luta, então para poder ser disfarçada a sua prática entre os negros, foi adicionado os instrumentos musicais que deram uma imagem de dança a Capoeira, com músicas que falam de Deuses africanos, Reis das tribos a qual vieram, fatos acontecidos na roda de Capoeira, acontecimentos e sofrimentos do dia-a-dia dos escravos e etc...!
Como ninguém tinha interesse sobre a cultura negra, ninguém notava que aquela simples dança, brincadeira e ritual era na verdade a luta marcial dos escravos, que se camuflava para poder permanecer ativa.

Schikatt

Dança erótica e popular das mulheres marroquinas. Muitos movimentos têm origem nas danças orientais. Foi de uma combinação da influência árabe com o folclore berbere que nasceu esta dança.
As dançarinas usam camadas de véus cobrindo o corpo, do pescoço ao tornozelo, e se enfeitam com muitas jóias; elas cantam, tocam instrumentos e batem palmas enquanto dançam.
O schikatt tem um passo característico chamado rakza, quando a dançarina bate com os pés como na dança flamenca.

Gnawa

A dança Gnawa celebra um ritual da seita de Sufi.

Cada ritmo tem muitos significados simbólicos que vão de poderes curativos ao exorcismo.

Uma cor específica é usada para cada dança, invocando o espírito da cerimônia, Hadra, o qual é trazido à terra de um outro mundo etéreo.

Dançarinos usam roupas brancas e chapéus pretos pesadamente enfeitados com conchas, contas, mágicos talismãs e amuletos. Em pé em linha ou círculo, os músicos mantêm o ritmo com tambores ou batendo palmas enquanto dançarinos executam danças acrobáticas.

Sobre dança moderna

Anterior ao surgimento da dança moderna, a dança clássica era a maior expressão artística do movimento corporal nos palcos do mundo com sua estética de elevação, equilíbrio, harmonia, elegância e graça, utilizando passos preexistentes. Ao contrário, a dança moderna vem produzir uma estética de movimentos baseada nas ações cotidianas do homem contemporâneo, considerando seu histórico sociocultural e afetivo.

Assim, ela surgiu como uma ruptura nos padrões rigorosos do academicismo, pesquisando-se novos caminhos pela arte para a expressão humana através do movimento corporal. Os dois maiores precursores da dança moderna foram Émile Jaques-Dalcroze e François Delsarte.
Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950) foi professor de música, nascido na cidade de Viena na Áustria. Dalcroze desenvolveu um sistema de treinamento de sensibilização musical, denominado eurritmia, no qual tinha a função de transformar o ritmo em movimentos corporais, uma ginástica rítmica. Jaques-Dalcroze afirmava que toda atividade visual ou auditiva começa com um simples registro de imagens e sons, e as faculdades receptoras do olho e do ouvido vão somente desenvolver uma atividade estética quando o sentido muscular estiver suficientemente desenvolvido para converter sensações registradas em movimento, pretendendo usar movimentos corporais para demonstrar a percepção e compreensão do ritmo, afirmando que o som podia ser percebido por qualquer parte do corpo. Teve como seus maiores discípulos Rudolf Von Laban e Mary Wigman.
No início do século XX, Rudolf Von Laban (1879-1958), lança as bases de uma nova dança, elaborando os componentes essenciais do movimento corporal: espaço, tempo, peso e fluência. Ele propôs um espaço tridimensional diferente daquele plano limitado pela platéia, servindo de referência para o dançarino, organizando o movimento em volume com diversas direções, em forma de um icosaedro. Em sua teoria, o espaço é concebido a partir do corpo do bailarino e dos limites do seu entorno, desta forma o dançarino poderia se movimentar livremente no espaço, independente do seu deslocamento, guiando-se, então, pela kinesfera, que é a demarcação dos limites de extensões dos membros do corpo humano em relação ao próprio eixo. Seu estudo possibilitou desvencilhar o movimento corporal da arte dramática, da música e das demais possibilidades de passos preestabelecidos. Laban define duas formas de ações corporais básicas, em que todo movimento as possui, estas formas são: Recolher e Espalhar. O movimento de Recolher parte da periferia do corpo para o seu centro, denominado movimento centrípeto, e, o movimento de Espalhar, que parte do tronco para as extremidades é denominado movimento centrífugo. Laban influenciou artistas como Mary Wigman e Kurt Jooss.
François Delsarte (1811-1871) foi precursor e descobridor dos princípios fundamentais da dança moderna. Foi um cantor que não sentiu o gosto do sucesso, desta forma passou a refletir mais sobre suas experiências passadas e a relação entre a alma e o corpo, e as manifestações corporais que traduzem o que o corpo está sentindo interiormente. Seu trabalho começa com a catalogação de gestos e estados emocionais em cena, examina diferentes casos patológicos, observa a manifestação de loucura e a dissecação de cadáveres. Aos poucos, constata que a uma emoção, a uma imagem cerebral, corresponde a um movimento ou, ao menos, uma tentativa de movimento. Surge, então, a chave da dança moderna: A intensidade do sentimento comanda a intensidade do gesto. Delsarte subdividiu o corpo sistematizando o gesto e a expressão humana em três categorias: gestos excêntricos, concêntricos e normais, estabelecendo também três zonas de expressão: cabeça, tronco e membros.
Conseqüentemente conclui que: todo o corpo é mobilizado para a expressão, principalmente o torso, que todos os dançarinos modernos, de todas as tendências consideram a fonte e o motor do gesto; A expressão é obtida pela contração e relaxamento dos músculos: tension e release, que futuramente serão as palavras-chave do método de Martha Graham; A extensão do corpo está ligada ao sentimento de auto-realização, enquanto que o sentimento anulação se traduz por um dobrar do corpo.
As idéias de François delsarte foram passadas oralmente em suas conferências sendo somente sistematizadas após sua morte por um de seus discípulos Alfred Giraudet, em 1895: Physionomie et gestes. Méthode pratique d’après le système de François Delsarte (Paris). Nos Estados Unidos as idéias de Delsarte foram expostas por um ator americano chamado Steele MacKaye, que havia trabalhado com ele e considerado, pelo próprio Delsarte, o seu herdeiro espiritual. Três discípulos de François Delsarte encaminharão suas idéias diretamente à dança moderna: Isadora Duncan, Ted Shawn e Ruth Saint-Denis.
Nascida nos Estados Unidos da América, Isadora Duncan (1878-1927) foi a pioneira na dança moderna. Sua dança na infância foi marcada pela técnica acadêmica até que aos quatorze anos ela acha natural começar a dar aulas de dança em sua casa. Há, no entanto, um princípio essencial em sua vida: “A dança é expressão de sua vida pessoal”. Isadora inspirava-se na contemplação da natureza, podendo sentir e transformar-se em elementos desta rica natureza. A música clássica é sua fonte de emoções traduzidas em movimentos corporais. Seus modelos estéticos são os gregos, figuras de vasos e esculturas. Sempre se apresentava de túnica grega, descalça e com sua echarpe inseparável. Procurava ter ao fundo de suas apresentações uma cortina preta para tornar seus gestos mais legíveis. O plexo solar era sua fonte principal de movimento, assim como Delsarte e Dalcroze. Este princípio foi utilizado por muitos pioneiros de escolas de dança moderna, tanto nos Estados Unidos como na Europa. Antes da sua trágica morte, em 1927, estrangulada por sua própria echarpe, presa na roda de seu carro em movimento, escreveu suas memórias, My Life, que narra toda a sua vida intensa. Às idéias de François Delsarte cabe ressaltar a Denishawnschool, escola fundada e dirigida por Ruth Saint-Denis e Ted Shawn, em Los Angeles em 1914. Com uma grande participação teórica de Ted Shawn, ele reivindica a ruptura completa com a dança tradicional, recorrendo as danças orientais, assimilando apenas seu espírito e não a técnica exatamente; no plano mental, considera que são liturgias que colocam o dançarino em contato com a divindade. Daí uma concentração fervorosa que é a primeira atitude que exige dos alunos. Tecnicamente, utiliza todo o corpo, considerando o tronco, e não mais os membros inferiores, como ponto de partida de qualquer movimento, buscando reforçar a impulsão nervosa situada no plexo solar, de modo que cada músculo esteja imediatamente disponível para traduzir o impulso interior. Esta é a idéia essencial de toda a dança moderna.
Martha Graham (1894–1991) entrou para a Denishawnschool em 1916, quando começou a carreira solo em 1926, no ano seguinte formou sua escola e em 1929 sua própria companhia de dança com alunos de sua escola. Antes, em 1923, Martha ruma para Nova York dedicando-se ao ensino. Entre pesquisas e reflexões ela estabelece os fundamentos de sua dança. Rejeita a relação de Isadora Duncan com os ritmos da natureza, afirmando que não quer ser flor, árvore, onda ou nuvem. Ela também passa a rejeitar as idéias da denishawnschool, dizendo estar farta de deuses indianos e rituais astecas. Sua busca passa a ser expressar a cultura norte americana à problemática do século XX, no qual a máquina interfere no ritmo do gesto humano e a guerra chicoteia as emoções, desencadeando os instintos. Para ela a origem da dança está no rito, aspirando de todos os tempos à imortalidade. Graham se interessou pelas teorias freudianas, buscando nas profundezas da alma, o movimento do espírito para mergulhar no desconhecido do ser. Toda a sua dança provém do duplo princípio da vitalidade do movimento: tension-release (contrair-relaxar). Eis alguns fundamentos da escola de Martha Graham: O plexo solar é considerado fonte de energia para o movimento; O tronco concentra as forças vitais que se irradiam para os membros; A região pélvica como ponto de apoio e representante da sexualidade; A força do gesto acontece em função da força da emoção.
Martha Graham acrescenta que um praticante de dança moderna precisa durante as aulas saber respirar, porque a intensidade do movimento, duração e efeito, se condicionarão de acordo com o ritmo da inspiração-expiração. A aula precisa começar com exercícios sentados no chão, pois nessa posição o dançarino pode controlar melhor todos os músculos do tronco em alongamento e contração, tornando o aquecimento mais eficiente, e em seguida, exercita-se de pé, preferencialmente em círculo, evitando o espelho por uma maior conscientização muscular, pois esta consciência deverá independer da visão. Martha Graham influenciou, diretamente, nos estudos Lester Horton, e Mercê Cunningham. Duas personalidades que irão contribuir para o surgimento da dança pós-moderna, influenciando artistas como: Alwin Ailey, Paul Taylor e Twyla Tharp.

A história do samba
Saiba mais sobre o gênero que se transformou em identidade nacional e sofreu influências de diversos ritmos


GRAZIELA SALOMÃO

O samba, como conhecemos atualmente, tem origem afro-baiana, temperado com misturas cariocas. Nasceu da influência de ritmos africanos, adaptados para a realidade dos escravos brasileiros e, ao longo do tempo, sofreu inúmeras transformações de caráter social, econômico e musical até atingir as características conhecidas hoje. O gênero, descendente do lundu (canto e dança populares no Brasil do século XVIII), começou como dança de roda originada em Angola e trazida pelos escravos, principalmente para a região da Bahia. Também conhecido por umbigada ou batuque, consistia em um dançarino no centro de uma roda, que dançava ao som de palmas, coro e objetos de percussão e dava uma ''umbigada'' em outro companheiro da roda, convidando-o a entrar no meio do círculo. Com a transferência, no meio do século XIX, da mão-de-obra escrava da Bahia para o Vale do Paraíba e, logo após, o declínio da produção de café e a abolição da escravatura, os negros deslocaram-se em direção a capital do país, Rio de Janeiro. Instalados nos bairros cariocas de Gamboa e Saúde, eles dariam início à divulgação dos ritmos africanos na Corte. Eram nas casas das tias baianas, como Amélia, Ciata e Prisciliana, que aconteciam as festas de terreiro, as umbigadas e as marcações de capoeira ao som de batuques e pandeiros. Essas manifestações culturais propiciariam, conseqüentemente, a incorporação de características de outros gêneros cultivados na cidade, como a polca, o maxixe e o xote. O samba carioca urbano ganha a cara e os ritmos conhecidos. Em 1917 foi gravado em disco o primeiro samba chamado ''Pelo Telefone''. A música, de autoria reivindicada por Donga (Ernesto dos Santos), geraria polêmica uma vez que, naquele tempo, a composição era feita em conjunto. Essa canção, por exemplo, foi criada numa roda de partido alto (pessoas que partilhavam dos antigos conhecimentos do samba e designava música de alta qualidade), do qual também participaram Mauro de Almeida e Sinhô (José Barbosa da Silva), que se auto-intitulou ''o rei do samba''. Após a primeira gravação, o samba conquistaria o mercado fonográfico e, com a inauguração do rádio em 1922 - único veículo de comunicação em massa até então -, alcançaria as classes médias cariocas. O novo estilo seria, ainda, abraçado e redimensionado por filhos de classe média, como o ex-estudante de Medicina Noel Rosa e o ex-estudante de Direito, Ari Barroso, através de obras memoráveis como ''Tarzan, o filho do alfaite'' e ''Aquarela do Brasil''. O advento do rádio ainda transformaria nomes como Francisco Alves, Orlando Silva e Carmen Miranda em grandes ídolos do samba. As escolas de samba do Rio de Janeiro Entre as décadas de 20 e 30, o gênero ganharia muitas variações tais como o samba-enredo, o samba-choro e o samba-canção. É desse período, também, o surgimento dos sambas criados para os grandes blocos de Carnaval. A primeira escola de samba surgiria em 1929 no Estácio - tradicional bairro de boêmios e da malandragem da cidade. Chamada de 'Deixa Falar', fez sua primeira aparição na Praça Onze como um bloco de corda e inovava no ritmo: a nova batida era capaz de contagiar qualquer folião, diferentemente dos sons anteriores mais monótonos. No ano seguinte, novas cinco escolas surgiriam para participar do desfile na Praça Onze: a ''Cada Ano Sai Melhor'' (do Morro de São Carlos), a ''Estação Primeira de Mangueira'', a ''Vai como Pode'' (atual Portela), a ''Para o Ano Sai Melhor'' (do Estácio) e a ''Vizinha Faladeira'' (das redondezas da Praça Onze). Com a repercussão do gênero, a cada ano surgiam mais escolas para participar dos desfiles de Carnaval.

Dança de rua

   A dança de rua é uma dança que exige sim muito esforço, dança de rua é uma das dança mais divertidas, e muito legal de se admirar, eu gosto muito de dança de rua street dance.
Para quem dança exige muitos esforços e uma rotina puxada. Existem vários estilos, mas vamos falar do estilo dança de rua. Este estilo surgiu nos Estados Unidos por volta de 1929, a partir daí foram se modificando e atraindo cada vez, mas pessoas e admiradores que adiram dança. Na verdade tudo começou quando músicos de cabaré juntamente com dançarinos começaram a fazer seu show na rua.
O cantor James Brown que trazia um tipo de dança que chamavam de funk (não o funk que conhecemos do Rio de Janeiro) um estilo que era parecido com o de Michael jackson, Le Gusta, Paula Lima, Tim Maia, Jorge bem, Ed Mota e Seu Jorge o chamado Funk ‘n Lata , onde trás Olodum, Sandra de Sá, Thaide e Dj hum, Aretha Franklin, Marvin Gaye e Funkadelic. Em 1981 nos Estados Unidos foi que o Street Dance teve sua expansão e veio parar aqui no Brasil, com os dançarinos dançando e criando novas coreografias.
A dança de rua ou street dance como muito chamam, tem dois tipos tem uma que é ligada ao hip hop e uma segunda que vem de estúdios de dança esse sim chamado de street dance ele é mais elaborado e tem mais técnica. E como o blues que era uma música raiz dos negros e quando vieram para os centro das metrópoles criaram o Rhytm and Blues, o street dance não é diferente era um ritmo que se misturou e virou dança de rua. Muitos famosos que gostavam da dança como Elvis Presley e James Browm contruiram um seguimento e contribuíram para a dança e também para a dança de rua. 

Dança do JAZZ

O Jazz é uma forma de dança moderna, que é fortemente influenciada pelos sons, ritmos, técnicas de jazz e música.

Como música jazz, o jazz dança é muito individual, com uma ênfase na valorização das competências individuais.

Como a música que inspirou, o jazz  tem as suas raízes na comunidade Africano-Americana nos Estados Unidos. Várias formas de jazz foram realizadas até o final dos anos 1800, e pela Primeira Guerra Mundial, tinha-se tornado uma dança bem aceita e bem conhecida.

Este estilo de dança passou a influenciar fortemente a Broadway e, por sua vez, Hollywood e também no balé e na dança moderna.

Nas  aulas de ballet, eles aprendem controle, habilidade, e condições para o seu corpo dançar.

Uma vez os bailarinos tendo a disciplina e técnica do balé, podem complementar com o jazz. Qualificados os bailarinos de jazz podem aparecer em grande demanda nos filmes, produções da Broadway, e em todo o mundo, com a possibilidade de trabalhar em uma grande variedade de estilos.

O Jazz é conhecida por ser fortemente imprevisível, graças às suas influências Africanas. As movimentações dos bailarinos de jazz podem ser lentas, graciosas ou eles podem se mover com agilidade e rapidez, executando saltos fantásticos e outras proezas.

Como resultado, eles devem ser fisicamente muito flexíveis, e muito preocupados com a música que a dança, o ritmo.

Esta forma de dança não tem necessariamente de ser realizada com a música jazz, embora muitas vezes seja, podem usam a criatividade e usar músicas de todos os estilos.

Tags: bailarino, coreografia, estilo. música
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Se você tiver alguma pergunta sobre o jazz por favor nos pergunte que estaremos dispostos a responder.